Tres décadas de sintetizadores explosivos, ritmos psicodélicos y experimentación sonora han convertido a Infected Mushroom en uno de los proyectos más reconocidos de la electrónica alternativa, ahora, el dúo israelí celebrará sus 30 años de trayectoria con una presentación especial en la Ciudad de México el próximo 21 de noviembre, una cita para recorrer su historia y reencontrarse con el sonido que ha llevado al psytrance mucho más allá de sus propias fronteras.
Integrado por Erez Eisen y Amit ‘Duvdev’ Duvdevani, Infected Mushroom comenzó su camino a mediados de los noventa y, desde entonces, ha construido una identidad que combina trance psicodélico, estructuras progresivas, sintetizadores y elementos del rock. Su propuesta se distingue por las melodías envolventes, los cambios de ritmo inesperados y las capas de sonido que convierten sus producciones en auténticos viajes electrónicos.
A lo largo de su carrera, el dúo ha explorado distintas posibilidades dentro del género sin quedarse atado a una sola fórmula con álbumes como The Gathering en 1999, Converting Vegetarians del 2003, Vicious Delicious en 2007 y Army of Mushrooms para el 2012, muestran cómo su sonido ha evolucionado entre la psicodelia, la experimentación y las estructuras electrónicas de gran intensidad.
Lejos de mirar únicamente hacia el pasado, Infected Mushroom ha continuado transformando su repertorio, en 2024 publicó REBORN, un álbum que recupera composiciones anteriores mediante nuevas grabaciones y arreglos, mientras que en enero de 2026 presentó IM30, un lanzamiento ligado a la celebración de sus tres décadas de trayectoria.
La fecha en México reunirá distintas etapas de su historia en un mismo escenario y contará también con la participación de Terra, Bliss e Interactive Noise, proyectos que complementarán una jornada dedicada a los sonidos psicodélicos y las vertientes más intensas de la electrónica.
El encuentro tendrá lugar el 21 de noviembre en FORO TEAMBRO, ubicado en Radamés Treviño, en la colonia Jardín Balbuena, Ciudad de México. Los boletos están disponibles a través de TIXR.
Con 30 años de música a sus espaldas, Infected Mushroom demuestra que el psytrance sigue siendo un territorio abierto a la mutación, la potencia y la experimentación. Su aniversario será una oportunidad para recorrer el legado de un dúo que ha llevado sus paisajes psicodélicos a distintas generaciones y que continúa expandiendo su universo sonoro.
UNKLE, el proyecto británico liderado por James Lavelle, regresará a la CDMX el próximo 26 de noviembre para ofrecer una presentación especial como parte de Semana IR! 2026, con una propuesta que mezcla trip-hop, electrónica y atmósferas cinematográficas.
La cita será en ORBE, donde UNKLE llevará al público por un recorrido entre ritmos hipnóticos, beats envolventes y algunas de las piezas más representativas de su trayectoria, esto será más que un concierto convencional, ya que la presentación promete sumergir a los asistentes en ese universo sonoro donde conviven la experimentación electrónica, el hip-hop instrumental y las guitarras del rock alternativo.
La historia de UNKLE comenzó en 1992, impulsada por James Lavelle y Tim Goldsworthy, vinculados a la escena independiente británica y al sello Mo’ Wax, con el paso de los años, el proyecto se convirtió en un punto de encuentro para productores, músicos y vocalistas de distintas generaciones. Una de sus colaboraciones más recordadas llegó con DJ Shadow y el álbum Psyence Fiction del 98, un debut que reunió a figuras como Thom Yorke, Richard Ashcroft y Mike D.
A lo largo de su trayectoria, James Lavelle ha mantenido a UNKLE como una plataforma creativa abierta, capaz de transformarse con cada colaboración y etapa, esa inquietud es parte esencial de su identidad con canciones que se construyen entre capas de sonido, voces invitadas, tensión rítmica y una sensibilidad visual que conecta la música con el cine y el arte contemporáneo.
Ahora, la Ciudad de México tendrá la oportunidad de reencontrarse con este proyecto en una presentación que forma parte de Semana IR!, iniciativa con la que Indie Rocks! Magazine celebra su 20 aniversario mediante una programación especial dedicada a la música y la cultura alternativa.
Hay bandas que convierten un concierto en una fiesta desde el primer acorde, y Kakkmaddafakka sabe muy bien cómo hacerlo, los noruegos regresará a la CDMX este 1 de diciembre, como parte de Semana IR! 2026, con un show que promete guitarras contagiosas, melodías pegadizas y esa mezcla de indie rock y pop que ha conquistado a fans alrededor del mundo.
Originarios de Bergen, Noruega, Kakkmaddafakka nació en 2004 como una idea entre hermanos y amigos que buscaban ofrecer un concierto memorable, lo que comenzó como una presentación entre conocidos terminó convirtiéndose en una carrera internacional, impulsada por su espíritu irreverente, su sonido festivo y una energía en vivo que invita tanto a cantar como a bailar.
A lo largo de su trayectoria, la banda ha explorado distintos matices del rock, el pop, el disco y los ritmos bailables, construyendo una identidad propia dentro de la escena alternativa europea con canciones como Restless, Forever Alone y Runaway Girl se han convertido en favoritas de sus seguidores, gracias a sus coros inmediatos y a esa combinación de melancolía, humor y euforia que caracteriza su propuesta.
Su regreso forma parte de Semana IR!, la celebración con la que Indie Rocks! Magazine conmemora su 20 aniversario, reuniendo proyectos internacionales y propuestas que han dejado huella en la música independiente. Para Kakkmaddafakka, la cita será una nueva oportunidad de reencontrarse con el público mexicano y demostrar por qué sus presentaciones son conocidas por su intensidad y conexión con la audiencia.
Las líneas sinuosas, figuras femeninas, ornamentos florales y composiciones que hicieron inconfundible el trabajo de Alphonse Mucha finalmente tendrán una exposición dedicada por completo al artista en México. Del 9 de octubre de 2026 al 8 de febrero de 2027, el Museo Kaluz presentará Alphonse Mucha. La magia de la línea, la primera muestra del creador checo en nuestro país.
Realizada en colaboración con la Mucha Foundation, la exposición reúne más de 130 piezas entre carteles, objetos, litografías, ilustraciones y dibujos, en un recorrido que no solamente revisa la trayectoria del artista, sino también la manera en que su lenguaje visual continúa apareciendo en expresiones tan distintas como el rock psicodélico, los cómics, el manga y hasta producciones audiovisuales contemporáneas.
La muestra, curada por Tomoko Sato y Elizabeth Brooke, llega a la Ciudad de México después de una itinerancia por instituciones de Estados Unidos como The Phillips Collection, New Mexico Museum of Art, Boca Raton Museum of Art y The Nelson-Atkins Museum of Art.
Además, representa un momento importante para el Museo Kaluz al convertirse en la primera exposición internacional en la historia del recinto.
¿Cómo nació el estilo de Alphonse Mucha?
El recorrido comienza mucho antes de los carteles que convirtieron a Mucha en uno de los nombres fundamentales del Art Nouveau.
La sección La construcción del lenguaje visual de Mucha explora las influencias que moldearon su mirada, desde su infancia en Moravia hasta su llegada a París en 1887 para estudiar en la Académie Julian.
Objetos provenientes de su propia colección permiten descubrir algunas de esas referencias: arte japonés, artesanía morava, iconografía religiosa y diferentes piezas que formaban parte de su estudio, conocido como la “Catedral de la Belleza”.
La intención es entender que el estilo de Mucha no apareció de manera aislada, sino que fue resultado de una mezcla de tradiciones, referencias culturales y experiencias que terminaron formando uno de los lenguajes visuales más reconocibles de finales del siglo XIX.
Los carteles que convirtieron a Mucha en un fenómeno
La segunda sección, El estilo Mucha: arte para una nueva era, se concentra en la etapa que terminó por convertir al artista en una figura internacional.
Aquí aparecerán algunos de sus famosos carteles realizados para la actriz Sarah Bernhardt, con quien Mucha mantuvo un contrato entre 1895 y 1900 que abarcó no solamente publicidad, sino también escenografía, vestuario y joyería.
La exposición también permitirá observar su trabajo comercial y sus panneaux décoratifs, demostrando cómo su estética logró salir de galerías y círculos artísticos para instalarse directamente en las calles, anuncios y objetos cotidianos.
Entre estas piezas estará Nestlé’s Food for Infants, litografía publicitaria creada por Mucha en 1897 que representa a una madre alimentando a su hijo y que fue incorporada especialmente para la presentación mexicana.
Una de las partes más interesantes de la exposición llegará cuando el recorrido deje atrás el siglo XIX para mostrar hasta dónde llegó la influencia de Mucha.
De la contracultura a los cómics: el legado eterno de Mucha parte del redescubrimiento del artista durante los años sesenta y su conexión posterior con el Flower Power y el arte psicodélico.
Su lenguaje visual también encontró nuevos caminos dentro del cómic estadounidense, incluido el trabajo vinculado con Marvel Comics, y posteriormente dentro del manga japonés.
En 1971, por ejemplo, Hideko Mizuno estrenó Fire, una serie influenciada directamente por Mucha y por la cultura del rock estadounidense.
La exposición rastrea esa huella hasta creadores contemporáneos como Yoshitaka Amano, Karina Nguyen y Joe Quesada, además de encontrar ecos de su estética dentro del diseño de producción de la serie Arcane.
La visita podrá complementarse con La magia del Art Nouveau, una experiencia inmersiva desarrollada por Grand Palais Immersif de París.
Durante aproximadamente 30 minutos, tres videos y once proyecciones de gran formato envolverán muros y piso para construir un recorrido audiovisual alrededor de la vida y obra de Mucha.
La experiencia viajará desde el crecimiento de la publicidad y la idea del “arte para todos” hasta la Exposición Universal de 1900 y el desarrollo de La Epopeya Eslava, antes de explorar el resurgimiento del artista durante el siglo XX.
La propuesta incluye una banda sonora original de Benoît de Villeneuve y Benjamin Morando, que combina composiciones de época con interpretaciones contemporáneas.
Mucha también tomará el Museo Kaluz más allá de las galerías
La exposición estará acompañada por un programa público gratuito que buscará extender varias de las conversaciones presentes en las salas.
Habrá charlas sobre japonismo, cartel, publicidad, manga y rock psicodélico, además de una Noche de Museos con concierto de rock psicodélico y talleres familiares dedicados a crear carteles Art Nouveau, ex libris y mandalas florales.
También se publicará un catálogo en español con textos de especialistas y creadores como Tomoko Sato y Joe Quesada.
A partir del 29 de octubre, la experiencia se ampliará todavía más con El arte nuevo. Simbolismo y Art Nouveau en México, otra exposición del Museo Kaluz que abordará cómo estos movimientos europeos dialogaron con artistas mexicanos como Roberto Montenegro, Julio Ruelas y Adolfo Best Maugard.
De esta manera, el museo permitirá observar el Art Nouveau desde dos direcciones: el universo internacional de Mucha y las formas particulares que estas ideas encontraron al llegar a México.
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Alphonse Mucha. La magia de la línea estará abierta del 9 de octubre de 2026 al 8 de febrero de 2027 en el Museo Kaluz, convirtiéndose en una oportunidad para descubrir que la influencia de Mucha va mucho más allá de sus famosos carteles: más de un siglo después, sus líneas todavía aparecen en buena parte de la cultura visual que consumimos todos los días.
El CMBA Punk Rock Fest Vol. 4 ya tiene cartel completo y prepara una nueva jornada para quienes han seguido de cerca el punk, hardcore y la escena alternativa en México. La cita será este 24 de octubre en FORO TEAMBRO, donde H2O y Lionheart encabezarán una edición que también reúne nombres históricos y proyectos de distintas generaciones de la escena nacional.
A los dos actos internacionales se suman Delux, Elli Noise, Seguimos Perdiendo, Jesse Bulbo, Monde, Margaritas Podridas, Señor Kino, Punk Rock Karaoke, Gula, Mi Mascota Leila, Big Spin, Camiches, Dr. Pink!, Lawson, Todos Los Muertos y Los Yeahs, construyendo un cartel que se mueve entre punk rock, hardcore, pop punk y sonidos alternativos.
H2O celebra tres décadas de hardcore
Uno de los nombres centrales de esta edición será H2O, banda originaria de Nueva York formada en 1994 y encabezada por Toby Morse.
A lo largo de más de tres décadas, la agrupación se convirtió en uno de los referentes del hardcore melódico estadounidense, construyendo una discografía en la que aparecen álbumes como H2O, Thicker Than Water, F.T.T.W., Go y Nothing to Prove.
Su participación en el CMBA adquiere además un significado especial, ya que 2026 marca 30 años del lanzamiento de su álbum debut, publicado originalmente en 1996.
El festival se convierte así en una oportunidad para reencontrarse con una banda que ha mantenido una presencia constante dentro del punk y hardcore internacional a través de giras, discos y colaboraciones con algunos de los nombres más importantes de la escena.
Lionheart lleva el West Coast hardcore a CDMX
Desde Oakland, California, Lionheart aportará una vertiente mucho más pesada al cartel.
Formada en 2004, la banda ha desarrollado una identidad marcada por el beatdown hardcore, riffs contundentes y una energía construida para el escenario, elementos que la han colocado entre los proyectos reconocibles del hardcore contemporáneo de la Costa Oeste.
Álbumes como Welcome to the West Coast, Welcome to the West Coast II y Welcome to the West Coast III han consolidado una propuesta directamente conectada con el sonido y actitud del hardcore californiano.
Su presencia junto a H2O también permite que esta edición cruce dos generaciones distintas de la escena estadounidense dentro de una misma jornada.
Delux y Elli Noise representan distintas etapas del punk mexicano
El cartel también mira hacia la historia del punk rock nacional con la presencia de Delux y Elli Noise.
Originarios de Tijuana y formados en 2000, Delux desarrolló una propuesta influenciada por el punk del sur de California, el pop punk y elementos de new wave. Su trayectoria incluye materiales como Delux, Entre la Guerra y el Amor, $ y Descontrol.
Por su parte, Elli Noise llega después de celebrar 25 años de trayectoria. Con Mariana Priego al frente, la banda forma parte de una generación que encontró en los foros independientes de la Ciudad de México un espacio para desarrollar el punk rock melódico durante finales de los noventa y principios de los dos mil.
Junto a ellos, proyectos como Margaritas Podridas, Señor Kino, Camiches, Gula, Big Spin y Mi Mascota Leila amplían un cartel que busca conectar escenas, estilos y momentos diferentes.
Diez años después, CMBA sigue construyendo comunidad
La historia del CMBA Punk Rock Fest comenzó en 2016 con una primera edición dedicada a reunir proyectos representativos del punk rock nacional.
Diez años después, el festival alcanza su Vol. 4 con una propuesta que mezcla bandas que ayudaron a construir la escena mexicana durante los años dos mil, proyectos surgidos posteriormente y dos representantes del hardcore estadounidense.
Más que concentrarse en una sola generación, el cartel apuesta por mostrar cómo el punk y el hardcore han seguido transformándose sin perder su vínculo con los espacios independientes y la comunidad que los sostiene.
CMBA Punk Rock Fest Vol. 4 se realizará el 24 de octubre en FORO TEAMBRO, en Jardín Balbuena, Venustiano Carranza, CDMX. Los boletos ya se encuentran disponibles a través de TIXR.
A un día de su realización, Ska Fest 2026 anunció un cambio importante para su edición en la Ciudad de México. El encuentro mantiene su fecha de este viernes 9 de octubre, pero ahora se llevará a cabo en Foro Puebla, ubicado en Puebla 186, Roma Norte.
El ajuste también implica un cambio en el formato originalmente anunciado, aunque la música continúa en pie: Tokyo Ska Paradise Orchestra encabezará la presentación, acompañada por Los De Abajo.
La organización confirmó que todos los boletos adquiridos previamente continuarán siendo válidos en la nueva sede, por lo que quienes planeen asistir no tendrán que realizar ningún cambio, canje o trámite adicional.
Los horarios, accesos y demás indicaciones para la presentación serán comunicados a través de los canales oficiales de Ska Fest.
¿Qué pasa si ya tienes boleto para Ska Fest 2026?
Quienes compraron entradas y decidan asistir podrán utilizar el mismo boleto adquirido originalmente para ingresar al concierto del 9 de octubre en Foro Puebla.
Sin embargo, debido a que el cambio de sede y formato puede modificar los planes de algunos asistentes, también se habilitará la posibilidad de solicitar un reembolso.
Para los boletos digitales, el proceso deberá realizarse directamente mediante la boletera y siguiendo las indicaciones publicadas en sus canales oficiales.
En el caso de los boletos físicos, el reembolso tendrá que solicitarse en el mismo punto de venta donde se realizó la compra.
La recomendación es conservar el boleto, comprobante de compra y correo de confirmación hasta que cualquier proceso de devolución haya quedado completamente resuelto.
Pese a los cambios de último momento, uno de los elementos centrales del festival permanece intacto: Tokyo Ska Paradise Orchestra sí tocará en la Ciudad de México, acompañada por Los De Abajo.
La agrupación japonesa continúa así al frente de una fecha que reunirá dos maneras distintas de entender y llevar el ska al escenario, ahora dentro de un recinto diferente al contemplado inicialmente.
Ska Fest 2026 se realizará este viernes 9 de octubre en Foro Puebla, ubicado en Puebla 186, Roma Norte, Ciudad de México. Quienes ya cuentan con boleto podrán utilizarlo normalmente, mientras que las personas que prefieran no asistir tendrán disponible la opción de solicitar su reembolso.
Quince años después de su primera edición, Bahidorá se prepara para abrir un nuevo capítulo de su historia. El festival regresará a Las Estacas, Morelos, del 12 al 14 de febrero de 2027, con una edición especial marcada por una nueva identidad visual, más experiencias y una primera oportunidad para asegurar el acceso al mejor precio de la temporada.
La celebración comenzará mucho antes de llegar al río. El próximo 14 de octubre a las 10:00 AM abrirá la preventa Early Bird a través de bahidora.com, una fase dirigida a quienes quieren formar parte del festival desde el primer momento.
Además de ofrecer el precio más bajo de toda la temporada, quienes compren durante esta etapa tendrán acceso a distintos beneficios, entre ellos prioridad para conseguir algunos de los mejores espacios dentro del festival, descuentos especiales, posibles invitaciones a eventos previos sujetos a disponibilidad —como la fiesta de revelación del lineup— y una newsletter con sorpresas adicionales.
Por ahora, Bahidorá todavía no ha revelado el cartel de su edición XV, pero la expectativa ya comienza a crecer alrededor de una curaduría que históricamente ha combinado propuestas emergentes, sonidos provenientes de diferentes partes del mundo y artistas con trayectorias consolidadas.
La edición 2027 también marcará un cambio importante en la manera en que el festival se presenta visualmente.
Después de 14 años, Bahidorá estrena una nueva identidad gráfica desarrollada junto al estudio creativo Momoroom, inspirada directamente en la naturaleza que rodea a Las Estacas y en esa percepción luminosa, sensorial y ligeramente surrealista que ha acompañado al festival desde sus primeras ediciones.
El nuevo lenguaje visual parte de la fotografía análoga del mexicano Diego Áviles, combinada con intervenciones digitales, de
stellos, colores intensos y elementos en movimiento.
La intención no es abandonar aquello que ha definido a Bahidorá, sino reinterpretarlo para comenzar una nueva etapa que mire hacia adelante sin perder su conexión con el entorno.
Bahidorá ha construido buena parte de su identidad alrededor de una experiencia que no termina cuando deja de sonar la música.
El río, las áreas verdes, el camping, la gastronomía, las instalaciones artísticas y los espacios para descansar o encontrarse con otras personas forman parte de un ecosistema que durante 15 años ha convertido a Las Estacas en algo más que la sede del festival.
Para esta edición, la organización anticipa nuevas colaboraciones tanto antes como durante el evento, además del lanzamiento de un blog dedicado a recuperar parte de la historia de Bahidorá y continuar explorando las músicas que han acompañado su evolución.
El festival también estrenó una playlist que recorre algunos de sus mejores años, una manera de comenzar a entrar desde ahora al universo sonoro de la edición 2027.
Cumplir XV años también significa mirar todas las historias que han ocurrido alrededor del festival: amistades que comenzaron frente a un escenario, mañanas junto al río, canciones convertidas en recuerdos y noches de baile que terminaron cuando ya había salido el sol.
A ese recorrido se suman artistas, equipos de producción, voluntarios, proveedores y colaboradores que han construido una experiencia que año con año vuelve a reunir a su comunidad en Morelos.
Ahora Bahidorá se prepara para celebrar todo ese camino, pero también para preguntarse qué viene después.
La edición XV de Bahidorá se realizará del 12 al 14 de febrero de 2027 en Las Estacas, Morelos. La preventa Early Bird comenzará el 14 de octubre a las 10:00 AM en bahidora.com, con el precio más bajo de la temporada y beneficios exclusivos para quienes decidan comenzar el viaje desde ahora.
La cuenta regresiva para Pachuca Rock Fest 2026 ya está en marcha. El próximo 15 de noviembre, la música tomará la Universidad ITLA, Pachuca, nueva sede del festival que este año contará con mayor espacio, seguridad y estacionamiento para recibir a los asistentes.
El cartel reúne propuestas que van del rock nacional a la electrónica internacional con Steve Aoki, Molotov, Fobia, División Minúscula, Bándalos Chinos, Allison, Electrify, Los Flacos y Louis Goodman, quienes formarán parte de una jornada que busca reunir diferentes generaciones y sonidos en un mismo espacio.
La séptima edición no se limitará únicamente a los conciertos. Como parte de las nuevas actividades, la Universidad ITLA realizará la “Guerra de Bandas”, un concurso en el que agrupaciones emergentes podrán mostrar su talento y competir por un lugar dentro del festival.
La banda ganadora tendrá la oportunidad de abrir el escenario de Pachuca Rock Fest 2026, compartiendo fecha con los artistas que integran el cartel principal.
La propuesta busca abrir una plataforma para proyectos nuevos y sumar talento emergente a una edición que también apuesta por ampliar las experiencias disponibles para el público.
Otra de las novedades será Happy Bazar, un espacio pensado para que marcas y emprendimientos formen parte de la jornada.
La iniciativa permitirá integrar diferentes proyectos comerciales al ambiente del festival y ofrecer al público una zona adicional para recorrer durante el evento, más allá de los escenarios y la música.
¿Cuánto cuestan los boletos para Pachuca Rock Fest 2026?
Los boletos ya se encuentran disponibles en Fase 1 a través de Boletia y no tendrán cargos por servicio durante esta etapa.
El festival contará con dos modalidades de acceso. La Zona General tiene un precio de $1,395 pesos e incluye acceso al festival, zona de food trucks y servicios generales.
Por su parte, la Zona Preferente cuesta $2,500 pesos e incluye acceso al festival, una zona ubicada frente al escenario, food trucks exclusivos, área de recarga y baños exclusivos.
También habrá venta física de boletos en las instalaciones del ITLA en Pachuca, en DQD Plaza Ventura y en puntos de NERIAS en Plaza Tlalne y Encuentro Fortuna. La organización anunciará próximamente la Fase 2, así como nuevos puntos de venta.
Con nueva sede, un cartel que mezcla rock y electrónica, una competencia para bandas emergentes, espacios para emprendimientos y diferentes opciones de acceso, Pachuca Rock Fest 2026 se prepara para celebrar una de sus ediciones más completas hasta ahora.
La cita será este 15 de noviembre en la Universidad ITLA, Pachuca, para una nueva jornada de música que buscará volver a hacer vibrar a la ciudad.
Después de más de dos décadas haciendo música juntos, Inner Wave sigue encontrando maneras de cambiar sin perder aquello que los convirtió en una banda. Su nueva etapa llega acompañada de música con mayor energía, una película filmada en 16 mm y una intención clara: no repetir lo que hicieron antes.
Durante su reciente visita a la Ciudad de México, tuvimos la oportunidad de platicar con la banda sobre su relación con nuestro país, el proceso creativo detrás de su nuevo álbum, la importancia de conservar una mentalidad casi infantil al entrar al estudio y la manera en que transformaron experiencias reales de su trayectoria en una historia atravesada por fantasía, humor y nostalgia.
También hablamos sobre lo que significa llevar 20 años creciendo juntos y por qué, incluso después de tanto tiempo, Inner Wave continúa entrando a cada disco con la misma pregunta: ¿qué podemos hacer diferente esta vez?
Acá les dejamos la entrevista transcrita.
Teiki DC:
Han regresado varias veces a México. ¿Cómo sienten actualmente la relación que tienen con el público mexicano?
Pablo:
México es como nuestro segundo hogar. Se siente casi como regresar a casa.
La primera vez que tocamos en Ciudad de México fue en 2018 y fue una de las primeras ocasiones en las que sentimos algo parecido a ser superestrellas. Los fans aquí son muy apasionados, muy dedicados y entregados.
Siempre encontramos muy buenas vibras cuando venimos.
Teiki DC:
Después de 20 años como banda, ¿qué ha cambiado en Inner Wave y qué permanece igual cuando entran al estudio?
Pablo:
Muchas cosas han cambiado. Para empezar, somos más altos. Cuando comenzamos teníamos alrededor de 12 años, así que éramos muy pequeños.
Obviamente han cambiado muchas cosas en nuestras vidas, pero algo que me gusta mucho es que creativamente seguimos trabajando casi de la misma manera.
Cuando entramos al estudio o hacemos cualquier cosa creativa, siento que es importante regresar a una mentalidad parecida a la de un niño: algo inocente, como si realmente no supieras exactamente qué estás haciendo.
Nos gusta mucho aprender teoría musical, trabajar con estructuras más complicadas, cambios de tonalidad y ese tipo de cosas. Pero aprendes todo eso para que, cuando entres al estudio, no tengas que estar pensándolo constantemente. Simplemente está ahí, detrás de todo lo que haces.
Teiki DC:
El nuevo disco gira alrededor de la idea de “See You When I Get Back”. ¿Por qué esa frase terminó definiendo esta etapa?
Pablo:
Es una frase que utilizamos muchísimo.
La gente que hace lo que hacemos nosotros, que constantemente está de gira, termina diciéndosela a familiares, amigos, parejas y a todas las personas que quieres.
Siento que encapsula bastante bien los temas de este nuevo lanzamiento porque es una despedida, pero una despedida en la que esperas volver a ver a esa persona.
Es como decir “hasta luego”.
Hay algo romántico en esa idea de esperar encontrarte nuevamente con alguien porque siempre estás saliendo de casa, viajando, viendo amigos en diferentes países o estados solamente durante un momento y después pasando inmediatamente a lo siguiente.
Teiki DC:
Con más de 20 años de historia pudieron haber realizado simplemente un documental. ¿Por qué decidieron crear una película mucho más surrealista y fantástica?
Pablo:
El cine siempre ha sido una pasión para nosotros y creo que lo visual también ha influenciado nuestra música durante mucho tiempo.
Cuando comenzamos a escribir este disco, empecé a leer un libro sobre escritura de guion solamente por curiosidad. Era algo que quería aprender como hobby.
Comencé a entender cómo se construyen las diferentes partes de una historia: cómo comienza, hacia dónde va y cómo termina.
Ya tenía los demos del álbum y empecé a colocarlos dentro de esa estructura. Pensaba: “Tal vez esta canción puede ir aquí, esta otra después…”. De ahí salió el orden de canciones que finalmente utilizamos para el disco.
Después comencé a imaginar cuál podría ser la historia.
Tomamos elementos de cosas que realmente han ocurrido durante nuestra vida y nuestra trayectoria, pero los llevamos hacia la fantasía y la comedia.
También queríamos mostrar un lado nuestro que quizá no habíamos enseñado demasiado. Siempre estamos haciendo bromas y riéndonos de todo.
Incluso cuando existen tragedias o momentos difíciles, con el tiempo muchas veces esos momentos terminan convirtiéndose en las historias más graciosas.
Queríamos mostrar eso y también enseñar un poco de cómo se siente salir de gira con nosotros.
Teiki DC:
“Child” tiene un sonido particularmente nostálgico y juguetón. ¿Por qué era importante que apareciera en ese momento de la película?
Elijah:
Para todos nosotros esa canción tiene un sentimiento muy nostálgico.
Tiene algo que te hace sentir como niño otra vez, pero también recuerda a esos viajes por carretera con tus amigos, atravesando el país sin saber exactamente qué va a ocurrir.
Cuando vean la película creo que entenderán por qué funciona perfectamente en ese momento.
Cada vez que la escucho o la tocamos siento algo parecido a volver a ser niños: andar en patineta, salir de viaje, ir de campamento…
Ahora esa misma sensación puede ser estar de gira con tus amigos dentro de una camioneta, sin saber exactamente hacia dónde vas o qué va a suceder.
Hay algo de esperanza y emoción por lo desconocido.
Teiki DC:
En entrevistas anteriores mencionaron que querían hacer un disco con mayor energía. Después de tocar estas canciones frente al público, ¿sienten que encontraron lo que buscaban?
Elijah:
Sí. Era algo que queríamos recuperar desde que empezamos a trabajar en este álbum.
En nuestros conciertos tenemos varias canciones con tempos más bajos, pero comenzamos a notar que cuando tocábamos las canciones con mayor BPM y más energía, todo el público se movía y se emocionaba.
Queríamos capturar esa sensación dentro del nuevo disco.
Y después de tocar en Ciudad de México pudimos sentirlo claramente.
Tengo que decirlo: Ciudad de México tiene el mejor público del mundo.
Hemos tocado por Estados Unidos, Canadá, Europa, China y otros lugares, pero el público de Ciudad de México es increíble.
Teiki DC:
Sus canciones pueden cambiar mucho entre sí. ¿Cómo saben cuándo una composición ya encontró su forma definitiva?
Jean Pierre:
Como hacemos prácticamente todo juntos dentro de un mismo cuarto, una de nuestras principales formas de crear canciones es mediante jams.
Durante esas sesiones, el objetivo es encontrar la esencia de una canción.
Cuando encuentras esa esencia, quieres conservarla tanto como sea posible porque si comienzas a modificar demasiadas cosas existe el riesgo de perder aquello que hacía especial la idea original.
Después de 20 años también comienzas a entender cómo funciona tu propio filtro creativo.
Cada uno tiene uno, pero también existe un filtro que pertenece específicamente a la banda.
Con el tiempo desarrollas ciertos sistemas y, durante una jam, incluso puedes entender sin necesidad de hablar cuál es la esencia, qué funciona y qué no.
La esencia de una canción muchas veces no puede construirse deliberadamente. Simplemente la encuentras.
Teiki DC:
¿Qué cambió definitivamente dentro de Inner Wave con este nuevo álbum y esta película?
José Cruz:
Nosotros recibimos el cambio con los brazos abiertos.
Cada vez que hacemos un álbum intentamos hacer lo contrario de lo que hicimos en el anterior.
Ese es uno de los enfoques que tenemos constantemente: preguntarnos qué hicimos la última vez y decidir que esta vez no vamos a hacerlo igual.
Si un disco anterior lo hicimos en una semana, quizá el siguiente tarde un año.
Tiene que ser un viaje diferente.
Parte fundamental de este proyecto siempre ha sido no repetirse, evolucionar y crecer.
Y esperamos que, dentro de ese proceso, podamos crear algo que realmente conecte primero con nosotros mismos y después también con la gente que escucha nuestra música.
–FIN–
Dos décadas después de comenzar juntos cuando apenas eran adolescentes, Inner Wave continúa trabajando desde la curiosidad que los llevó a formar la banda. La experiencia acumulada está ahí, pero su intención sigue siendo entrar al estudio sin sentirse completamente seguros de lo que ocurrirá.
Su nueva etapa parece resumirse precisamente en esa contradicción: mirar hacia atrás sin vivir del pasado, aceptar el cambio y seguir encontrando nuevas maneras de jugar con la música.
Y cuando se trata de México, hay algo que la banda ya tiene bastante claro: quieren seguir regresando a ese que consideran su segundo hogar.
También recomendamos su película, está chido conocer la historia de la banda pero de uan manera peculiar en el mundo cinematográfico. La recomendamos totalmente.
Acá les dejamos la entrevista completa por si se la quieren echar en video.
Entre susurros que parecen hablar directamente al oído, una electrónica que golpea sin pedir permiso y una sensualidad que se transforma en juego, La Chica abre un nuevo capítulo en su universo creativo con amor con coco, un sencillo que convierte el deseo femenino, el placer y la libertad corporal en materia prima para una canción tan provocadora como divertida.
Porque durante mucho tiempo le canté a las heridas, a los fantasmas y a las metamorfosis. Hoy quería cantarle al deseo. Para mí no es un tema más ligero; es otra forma de habitar el mundo. amor con coco trata sobre el placer, el juego y la libertad de habitar plenamente el propio cuerpo. Y en mi camino, este regreso a la tierra es tan importante como todas las reflexiones espirituales o políticas que atraviesan el álbum. – La Chica.
La cantautora y productora francovenezolana, establecida en París, presentó el tema el 30 de septiembre, acompañado por un video dirigido por Marion Castéra que lleva la propuesta visual de la canción a un terreno igualmente atrevido, desde sus primeros segundos, amor con coco deja claro que La Chica no está interesada en suavizar su mensaje, aquí el cuerpo, el deseo y la sensualidad se celebran desde el humor, la libertad y la apropiación personal.
Con letras en español, amor con coco juega con frases directas y provocadoras para hablar del deseo desde una perspectiva femenina, mientras la producción mezcla pop alternativo latino, ritmos caribeños, electrónica y spoken word. El resultado es sensual, irreverente y deliberadamente juguetón: una canción que entiende el placer no como algo que deba esconderse, sino como un territorio de libertad y soberanía.
El nuevo sencillo también funciona como una primera ventana hacia el próximo álbum de La Chica, previsto para 2027 y todavía sin título anunciado, se trata de una nueva etapa después de una serie de trabajos marcados por el duelo, la memoria y la exploración espiritual, en la que la artista dirige ahora su mirada hacia la tierra, el cuerpo y la energía creativa.
Desde 2015, La Chica ha construido una identidad sonora difícil de encasillar, su música combina piano, texturas electrónicas, polifonías e influencias latinoamericanas para crear un universo propio, atravesado tanto por lo espiritual como por lo corporal, sus álbumes Cambio del 2019 y La Loba en 2020 exploraron conceptos como la metamorfosis, el poder instintivo y las transformaciones internas; ahora, amor con coco parece llevar esa búsqueda hacia un lugar mucho más terrenal.
Hay bandas que no necesitan demasiadas explicaciones para conectar con una generación, Las Ligas Menores son una de ellas, con canciones que han convertido la cotidianidad, la nostalgia y los pequeños momentos en himnos del indie latinoamericano, la agrupación argentina está lista para regresar a México con una presentación única.
La cita será el próximo 27 de noviembre en Foro Indie Rocks!, como parte de la Semana IR!, una celebración que reúne durante varios días a distintas propuestas de la escena independiente.
El regreso de Las Ligas Menores representa una nueva oportunidad para reencontrarse con una banda que ha construido una relación especialmente cercana con el público mexicano, con su música marcada por guitarras, melodías sencillas y una sensibilidad capaz de transformar experiencias aparentemente pequeñas en canciones memorables, ha encontrado en México uno de sus públicos más fieles.
Desde sus primeros lanzamientos, Las Ligas Menores han desarrollado un sonido que se mueve entre el indie rock, el garage y el pop, construyendo una identidad donde la emoción nunca necesita exagerarse. Parte de su encanto está precisamente en esa capacidad para hablar de lo cotidiano como amistades, rupturas, recuerdos, incertidumbres y momentos que parecen insignificantes hasta que una canción consigue convertirlos en algo que todos podemos reconocer.
En vivo, esa conexión adquiere otra dimensión, las canciones dejan de pertenecer únicamente a quienes las escribieron y se convierten en espacios compartidos por un público que las ha hecho parte de su propia historia.
Provenientes de Argentina, Las Ligas Menores han construido a lo largo de los años un vínculo especial con la escena mexicana, su presencia en el país se ha convertido en uno de esos encuentros que los seguidores del indie esperan con entusiasmo, y esta vez tendrá un ingrediente adicional: será una presentación única dentro de la Semana IR!
El 27 de noviembre, el Foro Indie Rocks! será el punto de encuentro para quienes han acompañado la trayectoria de la banda y para quienes apenas están descubriendo ese universo de canciones que hablan de crecer, recordar y seguir adelante.
La cita será una oportunidad para comprobar por qué Las Ligas Menores continúan ocupando un lugar especial dentro del indie latinoamericano: porque detrás de sus guitarras y melodías aparentemente sencillas existe algo mucho más poderoso, la capacidad de hacer que una experiencia personal termine sintiéndose como un recuerdo propio.
Después de convertirse en una de las nuevas voces a seguir dentro de la música mexicana, y recibir una nominación a Mejor Nuevo Artista en los Latin GRAMMY® 2026, Sofia Monroy continúa avanzando hacia el lanzamiento de su segundo álbum con una propuesta que cada vez se aleja más de las etiquetas.
La artista sueco-mexicana presenta ahora Luna y Tiempo, dos nuevos tracks que ya se encuentran disponibles en plataformas digitales y que muestran una de las caras más alternativas de este próximo proyecto.
Acompañados por un impactante universo visual y una interpretación vocal que rompe con las fórmulas habituales de la música regional contemporánea, ambos temas revelan a una Sofia Monroy mucho más introspectiva, experimental y dispuesta a explorar nuevas posibilidades dentro de su sonido.
Luna
De los dos lanzamientos, Luna ha encontrado un lugar especial en los shows en vivo de Sofia. La canción comienza prácticamente en seco y da paso a una voz transformada por el vocoder, creando una atmósfera que por momentos se siente más cercana a un poema musicalizado que a una canción tradicional.
– Luna trata sobre darte cuenta, sobre finalmente rendirte; es ese turning point de cuando dejas de pelear contra esos pensamientos que te persiguen – explica Sofia Monroy.
La canción también se convierte en un ejercicio de autocrítica al cuestionar la propia idea del amor y reconocer que algunas de las expectativas con las que construimos nuestras relaciones también pueden convertirse en parte del problema, con ella, Sofia apunta hacia una reflexión más amplia sobre identidad, género y las formas en que las relaciones pueden modificar nuestra manera de entendernos a nosotros mismos.
Tiempo
Junto a Luna llega Tiempo, una pieza que comparte con ella una sensibilidad introspectiva y una exploración sonora mucho más alternativa.
Ambas canciones funcionan como piezas hermanas dentro del nuevo proyecto y representan un giro respecto a los sonidos latinos que acompañaron algunos de los primeros sencillos de esta segunda entrega de largo formato.
En lugar de buscar respuestas inmediatas, Luna y Tiempo parecen habitar justamente ese espacio de incertidumbre donde las emociones todavía están procesándose, son canciones que hablan desde la pausa, desde la reflexión y desde la necesidad de mirar hacia adentro antes de poder avanzar.
La cantante conquistó Nicaragua, Guatemala, Panamá y Costa Rica, reuniendo a miles de seguidores y reafirmando su compromiso ante su público.
Gloria Trevi demostró una vez más por qué es considerada una de las grandes show women de la escena musical al concluir con gran éxito una serie de presentaciones en su gira “Celebration”.
El trayecto dejó momentos destacados como en Nicaragua, Guatemala y Panamá, donde la intérprete de “con los ojos cerrados” logró llenos totales, provocando gran conmoción entre los fanáticos, quienes celebraron cada una de sus canciones.
Uno de los momentos más importantes de la gira por Centroamérica fue en Costa Rica, donde al grito de “¡Pura vida!” la cantante hizo vibrar el Parque Viva durante dos noches inolvidables con más de 30 mil asistentes que abarrotaron el recinto para corear junto a ella sus más grandes éxitos.
Al terminar la gira el equipo de la artista destacó que el cariño del público se mantiene firme y por encima de cualquier intento de desprestigio, teniendo una conexión más fuerte que nunca.
Tras este paso triunfal por Centroamérica, Gloria Trevi continuará con su agenda de presentaciones en México:
Ciudad de México: 24 de octubre de 2026 (Auditorio Nacional)
Ciudad de México: 28 de noviembre de 2026 (Auditorio Nacional)
Mérida: 11 de diciembre de 2026
y tiene previsto regresar próximamente a los estudios de grabación para preparar nueva música.
La historia de la música electrónica francesa tiene en Ed Banger Records uno de sus capítulos más importantes. Ahora, parte de ese legado llegará a la Ciudad de México con French Touch Connect, un encuentro profesional franco-mexicano que busca tender puentes entre los sellos independientes, artistas y profesionales de ambas escenas.
El encuentro se realizará el próximo sábado 10 de octubre en Casa del Lago UNAM, de 16:00 a 19:30 horas, y tendrá como invitado principal a Pedro “Busy P” Winter, fundador de Ed Banger Records y una de las figuras fundamentales de la llamada French Touch.
La actividad forma parte de la programación francesa del Festival Internacional Cervantino y de las celebraciones por el Bicentenario de las relaciones diplomáticas entre Francia y México. La iniciativa es impulsada por el IFAL / Embajada de Francia en México, en colaboración con Casa del Lago UNAM.
De París a CDMX: Ed Banger se encuentra con la escena mexicana
Fundado en 2003 por Pedro “Busy P” Winter, Ed Banger Records se convirtió en uno de los sellos fundamentales para entender la evolución de la música electrónica francesa y su impacto internacional.
El sello no solo ayudó a consolidar nuevas propuestas musicales, sino que desarrolló una identidad donde música, imagen y cultura independiente conviven dentro de un mismo universo creativo.
La llegada de Ed Banger a México representa así una oportunidad para conocer desde dentro la experiencia de uno de los sellos que ayudaron a transformar la percepción internacional de la electrónica francesa y que continúan siendo una referencia para nuevas generaciones.
Un encuentro que va más allá de la música
French Touch Connect estará dividido en dos momentos. El primero será un encuentro profesional B2B privado, de 16:00 a 17:00 horas, en el que representantes de Ed Banger Records se reunirán con una selección de sellos y profesionales de la escena musical mexicana. Este espacio será de acceso únicamente por invitación y buscará generar vínculos directos entre ambos ecosistemas.
A partir de las 17:00 horas, la conversación se abrirá al público con una charla y sesión de preguntas y respuestas protagonizada por Pedro “Busy P” Winter y moderada por Michaël Spanu.
Durante el encuentro se abordarán temas como la trayectoria de Ed Banger, la evolución de la French Touch, el funcionamiento de la cultura independiente, el desarrollo de artistas y las posibilidades de colaboración entre las escenas musicales de Francia y México.
La temporada de conciertos en Ciudad de México viene cargada de grandes nombres y, justo cuando varias de las fechas más esperadas comienzan a acercarse, llega una oportunidad para quienes todavía están buscando asegurar su lugar, del 1 al 9 de octubre, Funticket presenta una nueva edición de FUNWEEK, con promociones especiales para algunos de los espectáculos que dominarán la cartelera de los próximos meses.
Ricardo Arjona prepara su regreso
Uno de los nombres principales de esta edición de FUNWEEK es Ricardo Arjona, quien volverá a México con su gira Lo Que El Seco No Dijo.
El cantautor guatemalteco se presentará en el Estadio Banorte de Ciudad de México, en una serie de conciertos que marcarán su esperado regreso al país y el cierre de esta etapa de su gira durante 2026.
Para quienes todavía no tienen boleto, FUNWEEK ofrece una promoción especial: boletos sin cargos por servicio en todas las zonas.
Beéle también se acerca a CDMX
La cartelera también tiene espacio para una de las nuevas figuras de la música latina. Beéle llegará a Ciudad de México en un momento importante de su carrera, después de construir una creciente audiencia con una propuesta que combina pop latino, sonidos urbanos y una energía pensada para disfrutarse en vivo.
El encuentro con el público mexicano representa una nueva etapa para el artista colombiano, quien continúa consolidándose como uno de los nombres jóvenes con mayor presencia dentro de la escena latina.
Y durante FUNWEEK hay una razón extra para no dejar pasar la fecha: los boletos estarán disponibles al 2×1 en todas las zonas.
El rock y el metal también tienen su propia agenda
Pero FUNWEEK no se queda únicamente con los grandes nombres de la música latina. La segunda mitad de 2026 también tendrá una fuerte presencia de rock y metal internacional en la Ciudad de México.
Uno de los encuentros más esperados llegará el 25 de noviembre, cuando A Perfect Circle se presente en el Estadio Fray Nano, acompañado por Puscifer y Dogstar, banda integrada por el actor Keanu Reeves.
La agenda continuará en diciembre con una serie de fechas para los seguidores de los sonidos más pesados:
Dimmu Borgir / El Apocalipsis — 3 de diciembre
Knotfest México — 5 de diciembre
BABYMETAL — 12 de diciembre
Deep Purple — 19 de diciembre
Entre estas fechas destaca especialmente el regreso de Deep Purple, que llegará el 19 de diciembre al Estadio Fray Nano, marcando el regreso de la legendaria agrupación británica a México después de varios años de espera.
Con una cartelera que va desde la música romántica hasta el rock alternativo, el metal y las nuevas voces de la música latina, FUNWEEK se convierte en una oportunidad para revisar la agenda de conciertos antes de que las fechas comiencen a agotarse.
