Los motores rugen con fuerza en el espectáculo sobre ruedas más emocionante, Monster Jam, está de regreso en el palacio de los deportes para ofrecer una temporada inolvidable, no solo por las acrobacias y saltos que hacen las monstruos sino que se conmemora 25 años de uno de los favoritos de la afición: Toro Loco.
Para calentar motores los organizadores nos invitaron a una exclusiva experiencia en pista. Ahí pudimos ver de cerca a los gigantes que forman parte de esta edición: Dragón, Megalodon, Grave Digger, Zombie, ThunderROARus, Pirate’s Curse y, por supuesto, el festejado Toro Loco, que compite sintiendo el cariño de sus compatriotas mexicanos.
PRIMER DÍA – VIERNES 02 DE OCTUBRE
Las emociones arrancaron desde el primer minuto. El público se emocionó con las competencias de velocidad, donde los pilotos exprimieron la potencia de sus motores al máximo en cada vuelta.
Después llegó el esperado show de freestyle, una exhibición desafiante de saltos y giros extremos que mantuvo a los asistentes al filo de su butaca.
La adrenalina no vino solo de los monster trucks; un grupo de motociclistas acrobáticos elevaron el espectáculo con arriesgadas maniobras que pusieron los nervios de punta.
Además, la interacción con la audiencia fue clave gracias a dinámicas como la Dance Cam y la oportunidad de votar en vivo por su corredor favorito.
La noche terminó con el triunfo de Toro Loco, que se llevó la copa en casa celebrando con orgullo con la bandera de México.
¡No te lo pierdas!
Si aún no vives la experiencia, Monster Jam continúa este fin de semana con funciones dobles en el Palacio de los Deportes. Boletos a la venta a través de Ticketmaster.
Sábado 3 de octubre de 2026: Función matutina (13:00 hrs) y función vespertina (18:00 hrs).
Domingo 4 de octubre de 2026: Función matutina (13:00 hrs) y función vespertina (18:00 hrs).
Es un evento familiar imperdible que combina velocidad, mecánica, dinámicas interactivas y grandes sorpresas. ¡Aún estás a tiempo de ser parte de esta fiesta de motores!
Crecer también significa aprender a convivir con la sensación de que todos parecen avanzar en direcciones diferentes. Mientras algunos amigos se casan, forman familias o encuentran cierta estabilidad, otros continúan persiguiendo sueños que los llevan cada vez más lejos de casa. Vacations convierte precisamente esa contradicción en el corazón de Pursuit of Anything, su nuevo álbum de estudio, disponible desde este 2 de octubre a través de Nettwerk Music Group.
La banda australiana integrada por Campbell Burns, Jake Johnson, Nate Delizzotti y Joseph Van Lier presenta un disco construido alrededor de las distintas búsquedas personales que aparecen al entrar de lleno en la vida adulta: la música, el amor, las relaciones, el crecimiento personal y la necesidad de encontrar un lugar propio.
Para Burns, buena parte de estas canciones nació al observar cómo su vida había cambiado desde Newcastle, Australia, hasta ciudades como Los Ángeles y Nueva York, mientras las personas cercanas a él comenzaban a recorrer caminos aparentemente más tradicionales.
El propio título, Pursuit of Anything, funciona como una especie de declaración sobre esa etapa.
Aunque los cuatro integrantes comparten años de amistad y una vida dedicada a la música, cada uno mantiene sus propias aspiraciones, inquietudes y objetivos. Esa diferencia terminó convirtiéndose en uno de los motores creativos del álbum.
Escrito por la banda y producido por Campbell Burns, el disco apuesta por un sonido más amplio y emocional que en trabajos anteriores. La mezcla quedó en manos de Beatriz Artola, quien ha trabajado con proyectos como Geese y Caamp.
El resultado mantiene el carácter soñador que ha acompañado a Vacations, pero lo coloca dentro de canciones más introspectivas que hablan de bodas, familias, recuerdos, relaciones y del extraño contraste entre mirar hacia atrás y seguir imaginando lo que viene.
Hay nostalgia, pero no necesariamente tristeza. El album encuentra buena parte de su identidad en aceptar que la felicidad quizá no esté al final del camino, sino en continuar buscando.
“Lucky, Forever”: intentar escribir una canción de amor sin esconderse detrás de nada
Junto con el lanzamiento del álbum, Vacations presentó el video de “Lucky, Forever”, tema encargado de cerrar el disco y una de sus canciones más abiertamente románticas.
Para Campbell Burns, escribirla representó salir de un terreno habitual dentro de sus composiciones.
“Quería escribir la canción de amor más cursi que pudiera mientras intentaba ser realmente sincero”.
El músico explicó que pocas veces escribe directamente sobre el amor debido a lo explorado que está como tema, pero precisamente esa sencillez terminó resultándole liberadora.
La canción funciona así como uno de los momentos más personales de un álbum que constantemente intenta reducir la distancia entre lo que sus integrantes están viviendo y aquello que escriben.
El lanzamiento llega además en un momento importante para Vacations. La agrupación acumula más de 3.5 mil millones de reproducciones, certificaciones multiplatino y varias giras internacionales, mientras continúa ampliando una audiencia que comenzó a crecer mucho antes de convertirse en uno de los nombres más reconocibles del indie australiano contemporáneo.
Ahora esa historia continuará en carretera. Vacations comenzará una extensa gira por Norteamérica en febrero de 2027, llevando Pursuit of Anything a una nueva etapa sobre los escenarios.
Con este disco, la banda no pretende tener todas las respuestas sobre crecer, enamorarse o decidir qué hacer después. Más bien acepta algo mucho más cercano a la realidad: a veces encontrar nuestro lugar significa continuar persiguiendo aquello que todavía no sabemos exactamente cómo nombrar.
Hay aniversarios que no se celebran mirando hacia atrás, sino reuniendo a todas las personas que hicieron posible el camino y Okills está de fiesta, después de tres lustros de canciones, escenarios y kilómetros recorridos, la agrupación venezolana prepara un encuentro muy especial con el público mexicano.
La cita será el próximo 8 de octubre en el Lunario del Auditorio Nacional, donde la banda celebrará una fiesta de quince años para recorrer diferentes momentos de su discografía y celebrar junto a quienes han acompañado su trayectoria desde sus inicios.
Más que un concierto de aniversario, la noche busca convertirse en un encuentro entre Okills y su público, en una celebración de las canciones que se han quedado en la memoria, de los escenarios que han marcado su recorrido y de una historia que comenzó en Caracas en 2011 y que, con el paso del tiempo, encontró en México uno de sus territorios más importantes.
La celebración llega además acompañada de nueva música. ¿Qué Somos?, su más reciente sencillo, pone sobre la mesa una de esas preguntas que pueden resultar tan incómodas como inevitables, ¿qué pasa cuando una relación tiene besos, desayunos, noches juntos y prácticamente todo lo que tendría una pareja, excepto un nombre?
Desde la perspectiva de alguien que se siente cómodo dentro de una situationship, mientras la otra persona espera dar el siguiente paso hacia una relationship, Okills convierte esa tensión en una canción llena de humor e ironía.
Okills utilizará sus redes sociales para realizar dinámicas en las que sus seguidores podrán proponer las canciones que quieren escuchar durante el concierto. Pero la banda irá todavía más lejos: también recurrirá a las métricas de plataformas como Spotify y YouTube para descubrir cuáles son los temas más escuchados específicamente en cada ciudad.
De esta manera, el setlist podrá construirse tomando en cuenta los gustos y la conexión que existe con cada audiencia, haciendo que esta celebración de 15 años tenga un carácter especialmente cercano.
Para un proyecto independiente, cada escenario puede convertirse en una nueva puerta, no solo se trata de tocar frente a más personas, sino de encontrar nuevos públicos, cruzar fronteras y conseguir que una canción llegue a lugares donde quizá todavía no ha podido sonar en vivo, La Texana ha hecho de ese camino una parte esencial de su crecimiento y ahora suma un nuevo capítulo con su primera aparición en Live on KEXP.
Después de ofrecer más de 50 shows durante este año, el proyecto llega a uno de los espacios más reconocidos para la música en vivo y las propuestas independientes a nivel internacional, esta sesión representa una nueva oportunidad para que el sonido de La Texana conecte con oyentes de distintas partes del mundo y amplíe una audiencia que continúa creciendo a través de sus presentaciones.
La llegada a KEXP también tiene un ingrediente especial para quienes han seguido de cerca la evolución del proyecto ya que durante la sesión, La Texana presenta La Parca, primer tema de la nueva etapa para el proyecto, pues el disco está contemplado para llegar en 2027.
Ahora, esa experiencia se traslada a un formato distinto: un estudio reconocido por convertirse en punto de encuentro para artistas de diferentes escenas y geografías, la sesión permite que La Texana presente su propuesta ante una audiencia que trasciende las ciudades donde ha podido tocar hasta ahora.
Más que una parada dentro de su recorrido, Live on KEXP abre una nueva posibilidad de conexión internacional y coloca al proyecto frente a nuevos oídos justo cuando comienza a preparar el siguiente capítulo de su historia.
Hay lugares que existen en el mapa y otros que solo sobreviven en nuestra imaginación, a veces, ese destino al que soñamos llegar termina siendo menos un sitio físico que una promesa: la posibilidad de escapar, de comenzar de nuevo o de reencontrarnos con alguien que está demasiado lejos.
Desde ese lugar nace Hawái, el nuevo sencillo de Clothing, también conocidx como Ropa Ok, quien convierte el bolero, la canción romántica y una melancolía profundamente contemporánea en el paisaje de un viaje que quizá nunca llegó a suceder.
La canción recupera el espíritu de los boleros románticos y una sensibilidad que remite a referentes como Los Panchos, pero Clothing lleva esa tradición hacia un territorio mucho más oscuro, aquí el amor convive con la distancia, el deseo de escapar se encuentra con la culpa y el fracaso, y ese supuesto paraíso termina convirtiéndose en una promesa rota.
El imaginario de Hawái también dialoga con Hawaii-Bombay de Mecano, aunque desde una perspectiva distinta, si aquella canción construía un destino exótico como espacio de fantasía y deseo, Clothing toma esa misma idea del viaje y la transforma en algo más complejo: un lugar al que queremos llegar, pero que quizá nunca podremos alcanzar.
El universo de la canción también se extiende hacia su video musical, filmado entre Ciudad de México y Nueva York. Clothing estuvo a cargo de la realización en CDMX, mientras que su hermanx, el artista Concesión Perpetua, realizó la parte correspondiente a Nueva York.
Dos ciudades separadas por miles de kilómetros que, sin embargo, comparten una experiencia profundamente cotidiana: familias que viven lejos, vínculos que se mantienen a través de llamadas, recuerdos que sustituyen los encuentros y personas que aprenden a querer incluso cuando la distancia se convierte en parte de la relación.
Originarix de la Ciudad de México y con una presencia constante en la escena underground y experimental, Clothing es productorx, compositorx y artista visual. Su recorrido incluye proyectos como Yaf Swamy y Luz luz luz!, además de formar parte del colectivo berlinés Spydergum.
Hawái es además el segundo adelanto de Esto Es Amor, el próximo EP de Clothing, compuesto por cinco canciones que exploran las distintas formas, etapas y contradicciones de amar.
Bruno Mars nos da una probada de lo que trae, después de formar parte de los MTV Video Music Awards 2026, el cantante y compositor estadounidense se prepara para reencontrarse con el público mexicano como parte de The Romantic Tour, con una presentación programada para el 11 de diciembre en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México.
El artista llegó con siete nominaciones, incluyendo categorías relacionadas con su sencillo I Just Might, y finalmente se llevó el reconocimiento a Mejor R&B.
Aunque Bruno Mars no estuvo físicamente en el Peacock Theater de Los Ángeles, sí formó parte de la ceremonia con una presentación pregrabada de Dance With Me, la actuación incluyó un extenso solo de guitarra y una puesta en escena acompañada por iluminación, llevando parte de la energía de su tour hasta la transmisión de los VMAs.
The Romantic Tour tendrá una importante parada en la Ciudad de México durante diciembre. Bruno Mars tiene programadas presentaciones los días 3, 4, 7, 8 y 11 de diciembre en el Estadio GNP Seguros, convirtiendo a la capital mexicana en uno de los puntos más importantes de esta etapa de su recorrido. Para el 11 de diciembre, la cita está programada a las 9:00 p.m. y contará con DJ Pee .Wee en el cartel.
La conexión entre ambos momentos resulta inevitable: mientras los VMAs pusieron nuevamente a Bruno Mars frente a una audiencia global, The Romantic Tour traslada esa energía directamente al escenario. En México, el público podrá encontrarse con uno de los shows que actualmente recorren distintas ciudades del mundo, con una producción que reúne canciones de diferentes etapas de su carrera y los elementos que han convertido sus conciertos en grandes espectáculos de pop.
Hay momentos en los que el cuerpo deja de sentirse propio, el tiempo parece detenerse, el espacio se vuelve extraño y por unos minutos, solo queda intentar entender qué está pasando. Desde ese lugar nace Cuerpo Frío, el nuevo sencillo de Te vi en un planetario, una canción que transforma una experiencia profundamente personal en uno de los momentos más sensibles de su nueva etapa.
El dueto originario de Teotihuacán, Estado de México, integrado por Ilka Serna y Alexis Ramos, presenta con este lanzamiento el segundo adelanto de su próximo EP, ¿Sabré pedir perdón?, previsto para las navidades de este 2026.
Cuerpo Frío parte de una experiencia que acompañó a Ilka durante su adolescencia y los primeros años de su adultez: episodios de desmayo y pérdida de control corporal que, con el tiempo, logró comprender y aprender a prevenir, la canción se instala justamente en esos minutos previos a que todo se vuelva oscuro, cuando el miedo aparece antes de que exista una explicación.
Es una entrega muy sincera respecto a la relación con mi cuerpo, marcando una etapa importante entre mi adolescencia y el inicio de mi adultez. En aquel entonces, atravesaba desmayos sin razón aparente que hoy ya comprendo y puedo prevenir; la canción describe, precisamente, cómo se sienten los momentos previos a que todo se torne oscuro
— Ilka Serna
Letra
Nada yo puedo hacer, a punto de enloquecer Es mejor dejarlo así, lo hecho lo destruí Este cuerpo frío me duele y me frustra Quiero estar contigo, mi rabia me asusta Tanto que decirte, no puedo ni una El silencio pasa, cargo esta tortura Bello destello azul, me escuchaste ya llorar Bailo en la soledad, titilo de mi penar Bello destello azul, que más te puedo contar? No puedo caminar, me muero por escapar Este cuerpo frío me duele y me frustra Quiero estar contigo, mi rabia me asusta Tanto que decirte, no puedo ni una El silencio pasa, cargo esta tortura
Más que narrar lo ocurrido, el tema busca capturar esa sensación de incertidumbre, la fragilidad de habitar un cuerpo que por momentos parece responder a sus propias reglas y todas las emociones que surgen cuando el control comienza a escaparse.
Nsqk continúa llevando su universo musical más allá de México, el cantante, compositor y productor regiomontano llegó por primera vez a los estudios de COLORS en Nueva York, una de las plataformas audiovisuales más reconocidas de la música contemporánea, para presentar en exclusiva tuffluv, segundo sencillo de MOSCA, su próximo tercer álbum de estudio.
Compuesta y producida por el propio Nsqk, tuffluv se mueve entre ritmos electrónicos e industriales para contar una relación sostenida por algo mucho más superficial, más frívolo.
La canción plantea una dinámica de pareja cargada de deseo, excesos y contradicciones, entre una producción oscura y una interpretación desafiante, Nsqk juega con la idea de un vínculo en el que los sentimientos parecen quedar relegados cuando lo único que importa son los artículos, el dinero y aquello que se puede comprar.
Sin embargo, a mitad del tema aparece una voz femenina sin rostro que rompe momentáneamente con esa frialdad, el cambio abre la puerta a una serie de confesiones y reproches en los que la relación comienza a mostrar otra dimensión de la relación, la volatilidad emocional, los desencuentros y los esfuerzos por darle al otro prácticamente todo lo que desea. Unos dirán que es aferrarse, otros que es amor del bueno.
Detrás de Nsqk está Rodrigo Torres, un artista nacido en Monterrey y criado en Houston, Texas, cuya identidad se desarrolló entre dos culturas, ese tránsito entre México y Estados Unidos se convirtió en una parte importante de su propuesta, su música no busca instalarse cómodamente dentro de una sola categoría: mezcla texturas electrónicas, R&B, hip hop y pop alternativo, creando un sonido que puede cambiar de forma sin perder su personalidad.
tuffluv es apenas el segundo adelanto de MOSCA, un proyecto que continúa revelando poco a poco el universo que Nsqk está construyendo y que promete mostrar una faceta todavía más amplia de uno de los nombres más singulares de la nueva música mexicana.
Hay escenarios que no necesitan grandes luces para convertirse en momentos importantes y para Alex Ferreira, el poder tocar en el legendario Tiny Desk fue uno de ellos, la sesión se estrenó este 24 de septiembre como parte de El Tiny, la programación especial de NPR Music dedicada a celebrar la música latina durante el Mes de la Herencia Hispana.
Lejos de convertir la presentación en una simple extensión de El arte de esperar, su más reciente producción de 2026, Ferreira construyó un repertorio que funciona como un mapa sonoro de más de quince años de carrera, conectando canciones de diferentes momentos de su trayectoria.
El recorrido comienza con Ven Que Te Quiero Ver, pasa por Monte Adentro y Un Cariñito, para cerrar con una nueva versión de Me Pierdo Contigo, esta última acompañada por la voz de Silvana Estrada, quien se suma como invitada especial.
La presentación también funciona como una fotografía de las distintas geografías que han formado el sonido de Ferreira, su propuesta se ha construido entre República Dominicana, España y México, combinando elementos de la música caribeña con el pop alternativo y una particular sensibilidad para la canción de autor.
Para esta sesión, el músico estuvo acompañado por su banda habitual, en un formato que dejó espacio para que las canciones respiraran: guitarra, bajo, batería, piano y saxofón construyeron el acompañamiento de un concierto pensado para la cercanía característica del Tiny Desk.
Meter una canción de hace más de diez años y una del disco nuevo en el mismo set, con la misma banda, fue ver todo el mapa de mi carrera, no en retrospectiva sino sonando al mismo tiempo -compartió Alex.
La aparición de Ferreira se suma a una trayectoria que incluye dos nominaciones al Latin Grammy, entre ellas una a Mejor Nuevo Artista en 2018 y otra a Mejor Álbum Cantautor en 2022, su trabajo también ha conectado con artistas como Natalia Lafourcade, Jorge Drexler y Juan Luis Guerra.
Y si después de ver esta presentación quieres conocer más acerca del artista, nosotros también tuvimos la oportunidad de conversar conAlex Ferreira en una entrevista, donde hablamos sobre esta nueva etapa, su música y todo lo que hay detrás de El arte de esperar.
Hay lugares del mundo mágico de Harry potter que siempre quisimos conocer, pero pocos despiertan tanta curiosidad como El Bosque Prohibido, y ahora, esa puerta finalmente se abrirá en México. A partir del 23 de octubre de 2026, podremos vivir esta experiencia nocturna que llevará criaturas mágicas, hechizos, luces y sonidos al Parque Naucalli, en Naucalpan, Estado de México.
La experiencia invita a los asistentes a caminar por un sendero nocturno inspirado en el universo de Harry Potter y Animales Fantásticos, siguiendo un recorrido en el que la oscuridad, la iluminación y los efectos especiales serán parte de la narrativa.
En el camino aparecerán algunas de las criaturas más reconocibles del mundo mágico, entre ellas hipogrifos, unicornios y Nifflers, además de recreaciones y momentos inspirados en escenas de las películas.
Pero no se trata únicamente de observar, una de las particularidades de la experiencia es su carácter interactivo ya que podremos utilizar nuestras varitas para lanzar hechizos e incluso intentar conjurar un Patronus, sumergiéndonos por algunos momentos en parte de esta aventura.
El recorrido tiene una duración aproximada de 60 a 90 minutos, aunque el trayecto a pie puede tomar entre 45 y 75 minutos, dependiendo del ritmo de cada visitante. La experiencia está pensada para todas las edades.
Para esta llegada a México, el Bosque Prohibido encontrará un escenario particularmente especial: el Parque Naucalli, un espacio arbolado ubicado en Naucalpan que durante las noches se transformará con iluminación, sonidos y elementos inspirados en el mundo mágico.
El recorrido será completamente al aire libre, por lo que la experiencia estará marcada por el propio entorno natural del parque, la organización señala que la iluminación será localizada y limitada y que la mayor parte del bosque permanecerá intacta.
Además del recorrido, habrá opciones de alimentos y bebidas inspirados en el universo de Harry Potter, así como diferentes espacios pensados para guardar el recuerdo de la visita y tomar fotografías.
Importante
Tienes que hacer un preregistro en la página de Fever, para poder acceder a la fila de espera para este increíble show.
La experiencia comenzará el 23 de octubre de 2026 y tendrá funciones a partir de las 18:45 horas, con horarios específicos que se seleccionarán al momento de comprar los boletos. La venta general comenzará el martes 29 de septiembre a las 9:00 a.m., mientras que quienes se registren previamente en la lista de espera podrán obtener acceso a la preventa.
Y aunque Hogwarts queda lejos, quizá no haga falta viajar tanto para sentir que cruzamos sus límites.
Harry Potter: A Forbidden Forest Experience 📅 A partir del 23 de octubre de 2026 📍 Parque Naucalli, Naucalpan, Estado de México 🕡 Desde las 18:45 h ⏳ Duración aproximada: 60–90 minutos 🎟️ Venta general: 29 de septiembre, 9:00 h
Después de años haciendo música, Friné da un paso al frente con ARCANA, su primer EP como solista, disponible a partir de este 23 de septiembre, reafirmando el comienzo de una etapa artística construida alrededor de la transformación, el deseo, la vulnerabilidad y la libertad.
El EP encuentra su identidad en una mezcla de pop, disco, funk y soul, con sintetizadores, grooves cálidos y una producción que conecta sonidos clásicos con una sensibilidad contemporánea, dando como resultado un universo en el que las experiencias personales se transforman en ritmo y donde reconstruirse también puede convertirse en una celebración.
Ese sentido del humor y esa capacidad de convertir una experiencia complicada en algo para bailar resumen buena parte del espíritu de ARCANA. Friné no intenta borrar las heridas ni negar los cambios, los convierte en canciones que hablan de avanzar, recuperar el movimiento y descubrir quién eres después de atravesar una transformación.
El inicio de esta etapa no se queda únicamente en la música, también construye una identidad visual propia, marcada por una estética cinematográfica y femenina que acompaña el universo de ARCANA y amplía la narrativa detrás de sus canciones.
Así, su debut como solista se presenta como un proyecto integral en el que sonido, imagen y concepto forman parte de una misma historia: la de una artista que abre una nueva puerta después de todo lo que ha dejado atrás.
Y apenas unos días después de su lanzamiento, el próximo 2 de octubre, podremos escucharla en el Fuck Off Room, donde tocará su nuevo material y seguramente algunos de sus éxitos.
El SimiFest prepara una nueva edición en la Ciudad de México y este 2026 lo hará con un nombre que prácticamente no necesita presentación: Snoop Dogg. El legendario rapero estadounidense encabezará la tercera edición del festival, que se celebrará el 5 de diciembre en la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez.
La presencia de Snoop Dogg coloca al hip hop de la Costa Oeste en el centro de una jornada que también contará con Miguel, María Barracuda, Los Eclipses, Los Blenders, Descartes a Kant, Romoo y el propio Dr. Simi, quien tendrá una participación musical acompañado por productores y músicos mexicanos. Lo mejor de todo es que aún faltan más artistas por confirmar.
Snoop Dogg, una historia que comenzó en Long Beach
Hablar de Snoop Dogg es hablar de una de las figuras que ayudaron a llevar el sonido de la Costa Oeste a una audiencia global.
Nacido como Calvin Cordozar Broadus Jr. en Long Beach, California, en 1971, comenzó a rapear desde joven y formó el grupo 213 junto a Warren G y Nate Dogg, su carrera dio un giro decisivo cuando su música llegó a manos de Dr. Dre, quien lo incorporó a su proyecto como solista.
En 1992, Snoop apareció en Deep Cover y posteriormente tuvo una participación fundamental en The Chronic, el álbum con el que Dr. Dre presentó una nueva etapa de su carrera, su estilo vocal y su particular manera de fluir sobre las producciones de Dre rápidamente llamaron la atención del público.
Un año después llegó Doggystyle, su debut como solista, lanzado en noviembre de 1993, el álbum producido por Dr. Dre se convirtió en un punto de referencia para el hip hop de la época y debutó en el número uno del Billboard 200, de ahí surgieron canciones que terminarían convirtiéndose en clásicos como Gin and Juice y Who Am I (What’s My Name?).
Desde entonces, Snoop ha construido una carrera que va mucho más allá del rap, ha explorado distintos géneros, colaborado con artistas de diferentes generaciones y convertido su personalidad en parte fundamental de la cultura popular. También ha participado en televisión, cine, negocios y proyectos deportivos, mientras continúa lanzando música.
Su regreso a México para el SimiFest tendrá además un significado especial para todos sus seguidores ya que habían pasado 11 años desde su anterior presentación en el país.
¿Qué puede hacer el diseño frente a los grandes desafíos del presente? ¿Puede transformar un sistema de residuos, recuperar conocimientos ancestrales, generar comunidad o ayudarnos a imaginar futuros distintos?
Estas son algunas de las preguntas que atravesarán What Design Can Do México GNP 2026, encuentro internacional que reunirá el próximo 1 de octubre en el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (CENART) a diseñadores, arquitectos, creativos, investigadores y agentes culturales de México y otras partes del mundo.
Durante una jornada de 10:00 a 19:00 horas, el festival abordará el diseño no solamente como una cuestión estética, sino como una herramienta para observar el presente, cuestionar aquello que damos por sentado y encontrar nuevas maneras de relacionarnos con nuestro entorno.
Estas son cinco razones para no perderte su séptima edición.
1. Porque el diseño también puede transformar realidades sociales
Del reciclaje y la economía circular a la inclusión y el trabajo comunitario, WDCD México GNP reunirá proyectos que utilizan el diseño para intervenir en problemas reales.
Entre ellos estará Ecolana, plataforma que conecta a ciudadanía, empresas y la cadena de valor del reciclaje y que reúne más de seis mil puntos para reciclar en México, así como Mi Valedor, proyecto que trabaja con personas en situación o riesgo de calle en la Ciudad de México.
También participará Yayra Agbofah, fundador de The Revival Earth Organization, quien desarrolla su trabajo desde Kantamanto, uno de los grandes mercados de ropa de segunda mano del mundo, explorando alternativas frente al desperdicio textil mediante el upcycling, la educación y la economía circular.
La conversación parte de una idea importante: los problemas que ya existen también pueden convertirse en espacios desde los cuales diseñar soluciones diferentes.
2. Porque pone a conversar conocimientos que normalmente vemos por separado
Uno de los puntos más interesantes de What Design Can Do es precisamente el cruce entre disciplinas, territorios y maneras de entender el mundo.
Habrá conversaciones sobre moda y conocimientos indígenas amazónicos, artesanía y tecnología, fotografía y territorio, inteligencia artificial y música, arquitectura y espacios rurales.
El diseñador brasileño Sioduhi Waíkhᵾn, por ejemplo, investiga las relaciones entre moda y conocimientos indígenas amazónicos, desarrollando pigmentos textiles a partir de residuos de yuca y trabajando con materiales como la fibra de tucum del Territorio Indígena Alto Río Negro.
Desde Chile, gt2P explora las posibilidades que aparecen al combinar artesanía, tecnología y cultura material, incluso mediante experimentaciones con lava volcánica de los Andes.
Mientras tanto, el fotógrafo Santiago Arau abordará cómo observar la Ciudad de México desde el aire puede revelar contrastes, dinámicas urbanas y paisajes sociales que normalmente pasan desapercibidos desde el nivel de la calle.
3. Porque hablar del futuro también significa cuestionar quién lo imagina
¿Quién decide cómo será el futuro?
El segundo acto del encuentro partirá de esta pregunta para reunir perspectivas provenientes del diseño, la investigación y los conocimientos ancestrales.
Sioduhi Waíkhᵾn, Karla Paniagua, Jorge Camacho y Desireé Ibinarriaga abordarán conceptos como futurismo indígena, diseño prospectivo, memoria, identidad e imaginación colectiva.
Más que intentar adivinar lo que sucederá dentro de algunas décadas, la conversación propone mirar algo mucho más cercano: las decisiones, conocimientos y relaciones que desde hoy están dando forma a aquello que consideramos posible.
4. Porque reúne perspectivas de distintos lugares del mundo
La programación conectará experiencias provenientes de México, Ghana, Chile, Brasil, India, Australia, Estados Unidos y otros territorios, mostrando que los desafíos pueden ser compartidos aunque las respuestas cambien según cada contexto.
Hacia el cierre del festival participarán Tatiana Bilbao, Samir Bantal, Akanksha Deo Sharma y Erich Martino, en una conversación atravesada por arquitectura, inteligencia artificial, artesanía, diseño industrial, migración e intercambio cultural.
Bilbao ha construido una práctica arquitectónica vinculada con investigación, estrategias comunitarias y construcción responsable; Bantal, socio de OMA y director de AMO, ha estudiado el papel de los territorios rurales en la construcción del futuro; mientras que Sharma explora las relaciones entre artesanía, tecnología y sostenibilidad.
Son trayectorias muy distintas que permiten plantear una misma cuestión: ¿cómo cambia lo que diseñamos cuando también cambian el territorio, la cultura y las personas para quienes diseñamos?
5. Porque propone entender el diseño como una forma de coexistir
What Design Can Do México GNP 2026 quiere ampliar la idea de lo que significa diseñar.
Durante una sola jornada convivirán temas aparentemente distantes como moda circular, reciclaje, inteligencia artificial, arquitectura, fotografía, artesanía y conocimientos ancestrales, pero todos atravesados por preguntas similares sobre el presente.
¿Cómo queremos vivir? ¿Qué vale la pena conservar? ¿Qué necesitamos transformar? ¿Quiénes están quedando fuera de aquello que diseñamos?
Ahí está buena parte del atractivo de esta séptima edición: no quedarse únicamente en objetos bonitos o nuevas tendencias, sino utilizar el diseño como punto de partida para hablar de cómo cuidamos, habitamos y coexistimos.
What Design Can Do México GNP 2026 se realizará el 1 de octubre, de 10:00 a 19:00 horas, en el Auditorio Blas Galindo del CENART, como parte de la décima edición del Abierto de Diseño CDMX. Puedes conseguir tus boletos a través de este link.
La cuenta regresiva prácticamente terminó. Disney En Concierto: Un Recorrido Musical llegará este domingo 27 de septiembre al Auditorio Nacional, reuniendo algunas de las canciones que han acompañado a varias generaciones de fans.
Con boletos todavía disponibles, el espectáculo se convierte también en una opción para cerrar la semana entre familia, amigos o pareja y escuchar de una manera distinta esas canciones que, para muchos, forman parte de recuerdos de infancia, películas favoritas y momentos compartidos.
El repertorio recorrerá diferentes épocas del universo Disney con temas provenientes de historias como La Sirenita, El Rey León, Aladdín, Hércules, Frozen: Una aventura congelada, La Bella y la Bestia y Enredados, entre otras.
La presentación contará con la dirección artística de Rodrigo Cadet, acompañada por la Orquesta Sincrophonia y las voces de Carmen Sarahí, Romina Marroquín, Irma Flores, Luigi Vidal y Jair Campos, quienes llevarán estas canciones al escenario del Coloso de Reforma.
Más allá de volver a escuchar melodías conocidas, la propuesta busca aprovechar la fuerza de una orquesta en vivo y las interpretaciones vocales para darles otra dimensión a canciones que han sobrevivido al paso de los años y continúan encontrando nuevas generaciones de público.
Si alguna de estas películas forma parte de tu historia, esta puede ser la oportunidad de reencontrarte con su música fuera de la pantalla y escucharla desde una producción concebida especialmente para el escenario.
Disney En Concierto: Un Recorrido Musical se presentará este domingo 27 de septiembre de 2026 a las 7:00 p.m. en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Los boletos continúan disponibles a través de Ticketmasterdesde $280 pesos.
Todavía estás a tiempo de armar el plan: este fin de semana, algunas de las canciones más queridas de Disney volverán a cobrar vida, ahora frente a una orquesta completa.
Durante diez días, la Ciudad de México volverá a convertirse en un espacio para observar, cuestionar y experimentar con el diseño. El Abierto de Diseño CDMX celebrará su décima edición del 25 de septiembre al 4 de octubre de 2026, con una programación que por primera vez extenderá buena parte de sus actividades más allá de una sola sede.
El Centro Nacional de las Artes (Cenart) funcionará como el corazón del festival y transformará galerías, plazas, áreas verdes, auditorios y espacios académicos en un gran campus dedicado al diseño. Sin embargo, esta vez el recorrido también llegará al MUAC, Museo Yancuic, Museo Nacional de Culturas Populares, Museo de Arte Carrillo Gil, Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo y Universum, además de estudios y talleres independientes.
Para celebrar sus diez ediciones, el festival tendrá como eje conceptual “Futuros”, una invitación a preguntarnos no solamente cómo queremos vivir dentro de algunos años, sino qué decisiones estamos tomando hoy para construir esos escenarios.
¿Qué futuro estamos diseñando?
La programación de esta edición abordará cuestiones como crisis climática, tecnología, movilidad, alimentación, cuidados, diversidad, accesibilidad y formas de habitar las ciudades, utilizando al diseño como una herramienta para imaginar respuestas y abrir conversaciones.
Una de las piezas centrales será Futuros Pánicos, exposición curada por Karla Paniagua y Jorge Camacho que parte de una pregunta bastante directa: ¿qué es lo peor que podría suceder?
La muestra explorará miedos cotidianos y amenazas que parecen más lejanas —desde la enfermedad y la inseguridad hasta el avance tecnológico, los desastres naturales o la pérdida de tradiciones— para analizar cómo estos temores modifican nuestras decisiones y la manera en que imaginamos el porvenir.
El recorrido incluirá además un Atlas de Pánicos, construido a partir de una encuesta anónima entre quienes visiten la exposición.
El Cenart se transforma durante diez días
Además de Futuros Pánicos, distintos espacios del Cenart recibirán proyectos que cruzarán arquitectura, diseño, cine, investigación y educación.
Panorama Abierto dejará atrás la división tradicional por disciplinas para organizar los proyectos alrededor de seis perspectivas: Cultura y Sociedad, Medio Ambiente y Regeneración, Cuidados, Lo que Habitamos, Imaginación de Futuros y Forma y Función.
También regresará Novedades, convocatoria dedicada a proyectos desarrollados durante el último año y enfocada en nuevos materiales, procesos, objetos, tecnologías y maneras de entender el diseño contemporáneo.
En las áreas verdes aparecerá el Parque Arquitectónico, donde cuatro despachos desarrollarán pabellones temporales, mientras que el Laboratorio Académico reunirá escuelas y universidades para construir un atlas colectivo de futuros posibles.
La identidad visual de esta edición también dialogará con la arquitectura del Cenart. Comex retomará la paleta Legorreta del complejo y presentará sus colores Trends 2026 dentro de diferentes exhibiciones.
La décima edición tendrá además un hecho inédito: Costa Rica será el primer país invitado en la historia del Abierto de Diseño CDMX.
Su pabellón, ubicado en la Plaza Legorreta del Cenart y presentado por Esencial COSTA RICA bajo la curaduría de la Semana de Diseño de Costa Rica, reunirá proyectos de paisaje, producto, gráfica, ilustración, joyería, gastronomía y prácticas colaborativas.
Bajo el nombre Costa Rica. Diseñar el futuro sin perder de vista el origen, la muestra explorará cómo innovación, biodiversidad, materiales, tradición y comunidades pueden relacionarse dentro del diseño contemporáneo.
Costa Rica también entregará un Premio al Diseño Sostenible, cuyo proyecto ganador recibirá un viaje doble al país para conocer iniciativas vinculadas con diseño, biodiversidad e innovación.
La celebración no se quedará únicamente dentro de museos y galerías.
Estudios de joyería, cerámica, mobiliario y diseño ubicados en colonias como Centro, Obrera, Doctores, Escandón y San Miguel Chapultepec abrirán sus espacios para permitir que el público conozca procesos que normalmente ocurren detrás de puertas cerradas.
Las Rutas del Abierto × Palanca conectarán además distintos puntos de la ciudad mediante recorridos acompañados por especialistas, arquitectos y los propios creadores.
Con una década de historia, el Abierto de Diseño CDMX quiere utilizar esta edición no solamente para celebrar lo recorrido, sino para mirar hacia adelante.
Del 25 de septiembre al 4 de octubre, la pregunta estará presente en el Cenart y en distintos rincones de la ciudad: ¿qué futuro estamos ayudando a diseñar?
